El cine fue oficialmente inaugurado como espectáculo en París, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios
en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cine ha evolucionado mucho,
desde el primitivo cinematógrafo mudo
de los hermanos Lumiere, hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha
evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluyendo las convenciones del
género, creando así los géneros cinematográficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad,
surgiendo así distintos movimientos cinematográficos y cinematografías nacionales.
Primeros pasos del cinematógrafo
La idea de capturar el movimiento por medios
mecánicos es muy antigua. Existieron antecedentes en la cámara oscura,
o el taumatropo.
La técnica para captar la realidad por medios luminosos había sido ya
desarrollada por los inventores del daguerrotipo y la fotografía,
a mediados del XIX. Thomas Alva Edison, inventor de la lámpara incandescente y el fonógrafo,
estuvo muy cerca también de inventar el cine, al patentar el kinetoscopio creado en su laboratorio por William
Dickson, el cual, sin embargo, sólo permitía funciones muy limitadas.
Inspirándose en éste, los hermanos Lumiere, hijos del fotógrafo Antoine Lumiere, crearon
el cinematógrafo.
La primera presentación fue en el ya mencionado 28 de
diciembre de 1895, en París, y
consistió en una serie de imágenes documentales, de las cuales se recuerdan
aquella en la que aparecen los trabajadores de una fábrica, y la de un tren que
parecía abalanzarse sobre los espectadores, ante lo cual éstos reaccionaron con
un instintivo pavor.
Hollywood y el
Star System
En Estados
Unidos, el cine tuvo un éxito arrollador, por una peculiar circunstancia
social: al ser un país de inmigrantes, muchos de los cuales no hablaban el inglés,
tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomática,
y así el cine mudo se transformó en una fuente muy
importante de esparcimiento para ellos.
La mayor parte de los estudios de Thomas Alva Edison fueron en Hollywood (Fox, Universal, Paramount)
controlados por (Darryl F. Zanuck, Samuel
Bronston, Samuel
Goldwyn, etcétera), y miraban al cinematógrafo más como un negocio
que como un arte. Lucharon entre sí con tesón, y a veces, para competir mejor,
se fusionaron: así nacieron 20th Century
Fox (de la antigua
Fox) y Metro-Goldwyn-Mayer (unión de los estudios de Samuel
Goldwyn con Louis B.
Mayer) Estos estudios buscaron controlar íntegramente la producción
fílmica. Así, no sólo financiaban las películas,
sino que controlaban a los medios de distribución, a través de cadenas de salas
destinadas a exhibir nada más que sus propias películas. También contrataron a directores y actores como si fueran meros empleados a
sueldo, bajo contratos leoninos; fue incluso común la práctica de prestarse
directores y actores entre sí, en un pasando y pasando, sin que ni unos ni
otros tuvieran nada que decir al respecto, amarrados como estaban por sus contratos.
Cine mudo
Suele hablarse de cine mudo, de la época
silente o muda, y esto no es del todo exacto aunque es cierto que las
proyecciones no podían por sí mismas sino mostrar imágenes en movimiento sin
sonido alguno. Pero las proyecciones en las salas iban acompañadas de la música
tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por la voz de
un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes
analfabetas o inmigrantes desconocedores del idioma entendieran la película, y
también para ocultar el sonido de las maquinas, las cuales proyectaban la
imagen. Además las productoras encargaban partituras originales para sus
películas más prestigiosas, con lo que al cine ya sólo le faltaba hablar, pero
se tenía ya la concepción de una obra creada entre la imagen y el sonido. El
cine mudo, en realidad, mudo del todo, en cierto modo no era.
El cine sonoro
El cine sonoro es aquel que incorpora en las
películas sonido sincronizado o tecnológicamente aparejado con la
imagen. Por su parte el cine mudo es
aquel que no posee sonido,
consistiendo únicamente en imágenes. Antes de la existencia del cine sonoro los
cineastas y proyectistas se habían preocupado de crearlo, pues el cine nace con
esa voluntad. Raras veces se exhibía la película en silencio. Por ejemplo, los
hermanos Lumiere,
en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a la
proyección de la película en su local de París.
Los primeros experimentos con el sonido en
el cine llegaron de la mano del físico francés Démeny, quien en 1893 inventó la
fotografía parlante. Charles Pathé, combinó fonógrafo y cinematógrafo. En la misma
época, León Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas, que
presentó en la Exposición Universal de París de 1902.
Según la publicación "Where Else but
Pittsburgh" la primera película de cine épica se llamó ‘El Foto-Drama de la Creación ’, y aunque
apareció 15 años antes que se produjeran otras películas sonoras, ofreció
una combinación de películas cinematográficas y fotografías sincronizadas con
un discurso grabado. Se dividía en cuatro partes, duraba un total de ocho horas
y la vieron aproximadamente 8.000.000 de personas”
En 1927, los estudios Warner Bros se encontraban en una situación
financiera delicada y apostaron por integrar el nuevo sistema de sonido Vitaphone,
sistema en el cual la banda sonora estaba presente en discos sincronizados con
la proyección. Se incorporó por primera vez en una producción comercial
titulada Don Juan (1926) de Alan Crosland, así como en
otra de sus películas, Old San Francisco (1927). En ésta incorporó por primera
vez ruidos y efectos sonoros. Sin embargo la película sonora más exitosa fue El cantante de jazz (1927) en la que Al Jolson se inmortalizó pronunciando las
palabras inaugurales: «ustedes aún no han escuchado nada». Ante el éxito,
pronto todos los grandes estudios montaron sus propias películas
sonoras, y el cine mudo quedó olvidado.
El cine sonoro hizo desaparecer la función
que cumplía el conjunto musical al acompañar el visionado del cine mudo. El
silencio cobra importancia como nuevo elemento dramático desconocido por el
cine mudo. Se introduce el concepto de banda sonora.
*El cine reciente.
La llegada de los Blockbuster
Marcado en parte por los sucesos de la
década de 1970 (Watergate, Vietnam,
el fin del movimiento hippie), el
cine de ese tiempo se había vuelto más oscuro, con filmes como El padrino, Apocalypse
Now o Cabaret, por mencionar ejemplos dispersos.
En cuanto a películas de simple entretenimiento, se pusieron de moda las de
catástrofes, como por ejemplo Aeropuerto e Infierno en la torre, con el productor Irwin Allen explotando el género hasta el
agotamiento.
Sin embargo, en 1977, el cineasta George Lucas,
con su película La guerra de las galaxias,
cambió esto para siempre. Lucas hizo un trato con Fox, que los
ejecutivos del estudio consideraron muy ventajoso, por el cual la Fox se llevaba las ganancias
por la película, y Lucas por la mercadotecnia;
por los resultados posteriores, mucho mejores para Lucas que para la Fox , los estudios entendieron
que las películas podían ser explotadas económicamente de manera mucho más
amplia que hasta la fecha. Surgió así el concepto moderno de Blockbuster,
una película que se vende como "estreno de la temporada", que
supondrá un gran golpe de taquilla, y que será el vehículo principal para la
venta de una extensa mercadotecnia, a través de la concesión de una franquicia sobre la película y sus personajes, a
jugueterías que venderán figuras con el personaje, cadenas de comida rápida que
harán promociones, etcétera. Algunos de estas primeras películas explotadas con
mayor o menor habilidad como modernos Blockbuster fueron Encuentros en la tercera fase de Steven
Spielberg o Supermande Richard
Donner; en 1981 George Lucas y Steven
Spielberg unieron
fuerzas para una nueva franquicia, la de Indiana Jones.
El concepto de la película como una
franquicia desarrolló también el concepto de secuela.
Existían algunas previamente (El Padrino II, La novia de Frankenstein, etcétera), e
incluso una franquicia fílmica como James Bond había acumulado la respetable cantidad
de una decena de entregas, pero con secuelas como Superman II, Rocky II o El Imperio contraataca, el pensar las
películas como eventos con posible continuación para explotar la franquicia
dejó de ser algo excepcional, para pasar a ser la norma.
Cine comercial contra cine arte
A medida que las películas de Hollywood se
hacían cada vez más grandes en forma, y más escasas de contenido, el cine de
otras regiones fue reaccionando a su vez. Así, se profundizó la grieta entre el
llamado cine comercial, cuya principal factoría siguió siendo Estados
Unidos, y el cine arte, elaborado en mayor abundancia en otras
regiones del mundo. Esto se debió a varias razones. Por una parte, el cine
comercial se hizo cada vez más caro de producir, y por ende, menos productoras
podían incursionar en él (fundamentalmente de Estados Unidos); aunque esta
tendencia se revirtió en parte con el auge de la computación, como lo prueban
filmes europeos comerciales como los manufacturados por Luc Besson (Nikita, El quinto elemento), por ejemplo. En
segundo lugar, realizar películas con contenido artístico se transformó para
los círculos culturales europeos, latinoamericanos o asiáticos en una especie
de estandarte cultural, para oponerse a la cultura de los Estados Unidos. De
todas maneras, esta línea divisoria, muy marcada en las décadas de 1980 y 1990,
se fue diluyendo entrado el siglo XXI, porque las nuevas posibilidades de los
efectos especiales por computadora y el cine digital permitieron abaratar los
costos de las películas comerciales. Además, el cine arte nunca desapareció por
completo de Estados Unidos, como lo prueba un cineasta como David Lynch (Terciopelo
azul, Twin Peaks),
el cual, de todas maneras, para muchas de sus películas debió recurrir a
capitales europeos.
Esta línea divisoria se observó en
particular en el ámbito de los premios. Las películas "comerciales"
aspiraban a ganar principalmente el Óscar,
mientras que aquellas realizadas con vocación de "cine arte" tendían
a buscar reconocimiento en Cannes, Berlín, o Venecia. Aunque esto sigue sin ser una
regla absoluta, ya que hubo películas "comerciales" que buscaron
reconocimiento artístico en Cannes (por ejemplo,Shakespeare in Love), y cineastas
"artísticos" que buscaron publicidad en Hollywood (por ejemplo, Pedro
Almodóvar).
El movimiento más importante relacionado con
el cine europeo de la época fue el movimiento Dogma 95.
Planteándose como reacción al cine comercial, postulaban un cine naturalista,
sin efectos de sonido ni banda sonora, con actuaciones más bien espontáneas, y
filmadas con iluminación natural. Esto fue posible en buena medida gracias a la
aparición de la cámara
digital. Ideológicamente, Dogma 95 se inscribía en la línea
intelectual de la crítica a la burguesía, tan cara al cine europeo posterior a la Segunda Guerra
Mundial. Nada de esto era nuevo, porque en su tiempo, el Neorrealismo había adoptado presupuestos muy
parecidos, y por análogas razones. Y por similares motivos también, Dogma 95
tuvo una muy corta vida, y sus cultores volvieron lentamente a los usos del
cine de siempre, aunque los cineastas formados a su alero ejercieron una
marcada influencia cultural. El más conocido de ellos es Lars von
Trier, quien de todos modos después se desmarcó del movimiento.
El cine e Internet
La generalización de las tecnologías
relacionadas con el ordenador cambió al cine para siempre. Los
antiguos efectos
especiales a base de
maquetas y sobreimpresiones pasaron a ser desarrollados mediante computadoras.
La primera película con efectos digitales fue Trón (1982), pero desde ahí el
desarrollo fue fulminante, hasta el punto que en 1995 la compañía Pixar pudo realizar el primer largometraje
íntegramente realizado por computadora (Toy Story),
y en 2004, la película Sky Captain y el mundo del mañana era completamente virtual, siendo
reales sólo los actores protagónicos, quienes rodaron íntegramente frente a una
pantalla azul. Un paso muy simbólico lo dieron los Estudios Disney, cuando después del fracaso de su
film en animación tradicional Vacas
vaqueras, cerraron esta división y se concentraron en el mercado
de la animación por computadora.
Internet supuso también un desafío mayúsculo
para los grandes estudios, debido a que el brutal crecimiento de la capacidad
de almacenaje en discos duros y portátiles (CD-ROM y DVD entre otros) llevó a que por primera
vez se pudiera reproducir de manera virtualmente ilimitada una película
íntegra, sin pérdida significativa de calidad. El siguiente paso vino con el
surgimiento de las redes P2P ("peer to peer"), que
permiten intercambiar información de todo tipo sin un servidor central, y que
muchos usuarios empezaron a emplear para descargar películas gratuitamente
desde la red, compartiéndolas entre ellos.
Todo lo anterior abrió un intenso debate,
que aún no termina, en torno al problema de la propiedad intelectual en Internet. Los grandes estudios se
quejan de las pérdidas que este intercambio origina, y los usuarios por su
parte contraatacan esgrimiendo el principio de democracia en la red. Esta democratización, por
su parte, ha llevado a que muchos realizadores independientes hayan optado por
el cine digital,
grabando sus películas y editándolas por ordenador, para luego colgarlas en
sitios de intercambio de información, como por ejemplo YouTube.
También se ha simplificado el proceso de convocatoria a festivales de cine, con
lo cual el cine independiente, realizado al margen de los
grandes estudios, se ha visto fuertemente potenciado. Todo lo anterior ha
llevado a una fuerte democratización del cine. Todas estas tendencias son
incipientes, y aún es demasiado pronto para determinar cómo será el nuevo
mercado del cine que emergerá en un futuro cercano.
También Internet ha servido para la difusión
del cine clásico. Una colección de películas de dominio
público que se
encuentran en el Internet
Archive, una completa base de datos para la preservación de la
historia de Internet. Prelinger Archives contenía, en 2005, 1.969 películas,
todas ellas de libre uso, ya sea personal o comercial.
(Una vez mas me gustaría mencionarles que vean los vídeos que se encuentran en la parte inferior derecha del Blog, les aseguro que les gustaran.)
(Una vez mas me gustaría mencionarles que vean los vídeos que se encuentran en la parte inferior derecha del Blog, les aseguro que les gustaran.)
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